艺术与首饰的故事【第二十六集】

首饰作为艺术的分支

与艺术有着千丝万缕的联系

想要更好的理解当代首饰

就不得不先了解当代艺术

而想要看懂当代艺术

就得先大概知道艺术的发展历程

所以艺术史看似与当代首饰毫无关联

但事实上它们密不可分

《艺术的故事》

《现代艺术150年》

“艺术与首饰的故事”微信连续剧后半段

将引用《艺术的故事》以及

《现代艺术150年》作为基础

再加上笔者对于西方首饰史的整合

希望与大家分享连贯清晰且生动有趣的内容

感谢《艺术的故事》的作者E. H. Gombrich

以及中文版翻译者范景中和校对人杨成凯

还有《现代艺术150年》的作者Will Gompertz

以及中文版翻译者王烁和王同乐

对艺术史感兴趣的观众可阅读原著

部分图片和文字来源于网络仅供参考

建议艺术爱好者前往美术馆观赏原作

26.波普&欧普&动态艺术

1956-1970

1947年23岁的意大利-苏格兰艺术家爱德华多·保罗齐

创作出下图的拼贴画《我是一个有钱人的玩物》，

他从时尚杂志上剪下各种图像粘贴到卡片上，

其中有1940年代的性感女郎、樱桃派、橙汁品牌、

飞机、可口可乐、英文单词、手枪等各种元素，

看上去粗俗凌乱，饱含对于美国文化的迷恋。

手枪射出的白色烟雾上写有鲜红的POP字样，

这便是波普艺术（Pop Art）的第一个样本。

Sir Eduardo Paolozzi

I was a Rich Man’s Plaything

Printed papers on card

1947

英国艺术家理查德·汉密尔顿是保罗齐的朋友，

也是英国“独立团体”的成员之一，

如今被称作“英国波普艺术之父”，

下图《是什么让今天的家庭如此不同、如此富有魅力？》

是他早期的拼贴画作品之一。

同样是将杂志上的图像剪下贴在卡片上，

画面中间男人手中的棒棒糖上同样写有POP字样，

但是内容不同于保罗齐的流行文化，

他试图向观众展示一个“未来的客厅”，

里面充满了现代化产品和富有情趣的生活景象。

当时的社会对充满高科技的未来抱持乐观态度，

人们可以尽情享受现代产品带来的便利生活，

不再艰苦奋斗，只管轻松消遣。

1957年，汉密尔顿将流行文化定义为：

为大众设计的短暂、可消耗、低成本、批量生产、

年轻、诙谐、性感、具有噱头和刺激性的大事件。

波普艺术不只是愚蠢肤浅的艺术商品，

还是具有高度政治意味的艺术运动。

Richard Hamilton

Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?

Collage

1956

美国艺术家贾斯培·琼斯也有类似的想法。

下图是琼斯的早期绘画《旗》，

乍一看是普通的美国星条旗，

但它实际上是一个图层的拼缀物。

艺术家在废报纸和画布制成的胶合板上

将融化的蜡与颜料混合绘制，

赋予画面起伏不平的表面效果。

如此一幅带有达达主义意味的画，

让人不禁生疑自己到底是在看一面旗还是一幅画？

这幅画能不能成为美国的象征？

Jasper Johns

Flag

Encaustic painting

1954-1955

美国艺术家罗伯特·劳申伯格

和琼斯一样喜欢选择日常的题材，

使用人们视而不见的平凡之物

以及美国消费主义的边角料，

用被人遗弃的商品来创作艺术。

下图的《字母组合》便是一件

“将艺术与生活合二为一”的作品，

艺术家把街道当作调色盘，

把工作室的地面当作画架，

将搜集来的废品和各种物件铺展成一件艺术品：

装有滚轮的方形木质平台上

放着套有旧汽车轮胎的安哥拉山羊，

山羊的脸上被涂上了各种色彩，

木板上还有用过的纸张和画布、一个网球、

一只塑料鞋跟、一件衬衣袖子和一幅走钢丝人的绘画。

这是一件“难看”、有趣却又令人困惑的作品，

其中暗藏着各种象征和轶事供人猜测。

Robert Rauschenberg

Monogram Combine

Oil, paper, fabric, printed paper, printed reproductions, metal, wood, rubber shoe heel, and tennis ball on canvas, with oil and rubber tire on Angora goat on wood platform mounted on four casters

1955-1959

罗伯特·劳申伯格曾在美国黑山学院就读，

那是当时世界上最前卫的艺术院校之一。

1948年夏天著名的荷兰籍美国艺术家威廉·德·库宁

在约瑟夫·阿尔伯斯的邀请下前往黑山学院教授绘画。

1953年，年轻的美国艺术家劳申伯格

前往世界著名艺术家威廉·德·库宁的工作室，

希望德·库宁能给自己一张他的画，

好让劳申伯格用橡皮擦掉这幅画。

德·库宁选了一小张他用蜡笔、铅笔和炭笔

画在纸上的作品，上面还有些许油彩的痕迹。

劳申伯格花费一个月的时间用橡皮擦除德·库宁的痕迹，

并将其命名为下图《擦除的德·库宁绘画》，

这幅画也被视为是行为艺术的早期作品之一。

Robert Rauschenberg

Erased de Kooning Drawing

1953

1951年劳申伯格创作的下图《白色绘画》

成为了极简艺术的先驱，

并促使他的朋友约翰·凯奇（John Cage）

创作出著名的《4’33”》：4分33秒的无声体验。

它与《白色绘画》有诸多异曲同工之处，

白色画布上的灰尘、光线与观者的身影

就如演奏无声音乐时周围嘈杂的环境一样，

它们成为了事件和偶然所激发的艺术的载体。

重要的不是作品本身，

而是存在于作品周围，

那些被人忽视的时间和空间，视觉与听觉。

Robert Rauschenberg

White Painting [three panel]

Latex paint on canvas

1951

当时已经小有名气的美国时尚插画家

安迪·沃霍尔也想成为一名艺术家，

他曾尝试过许多流行文化题材，

但都没能找到自己的风格。

直到1962年他创作出下图32幅《金宝汤罐头》，

并在欧文·布鲁姆位于洛杉矶的费鲁斯画廊展出。

虽然这32张画看起来几乎一摸一样，

但事实上每一个都各不相同，

每个罐头上的风味标签和笔触都有细微的差异，

艺术家将自己隐藏在看似重复的图像中，

正如每个罐头背后被忽视的人工生产力。

这件作品不仅让安迪·沃霍尔成为一名艺术家，

还确立了波普艺术的基本特征：

对于大规模生产和消费文化的痴迷。

Andy Warhol

Campbell's Soup Cans

Acrylic with metallic enamel paint on canvas, 32 panels

1962

著名的好莱坞女明星玛丽莲梦露

于1962年8月死于用药过量，

几周后安迪·沃霍尔创作出下图《玛丽莲双联画》，

图片出自她为电影《尼亚加拉》拍摄的宣传照。

安迪·沃霍尔首次将丝网印刷

这一商业印刷技术引入艺术创作，

他将图片转印、复制，

得到一张又一张相同的图像，

但每次都会有些微的不同，

他认为这一不断重复的过程简单且充满偶然性。

左边的五彩斑斓与右边的黑白渐变形成鲜明对比，

那些常用于商业领域的花哨且明亮的色彩

既是对于美国消费主义视觉语言的模仿，

又是当时流行文化和大众审美的体现。

艺术家利用故去明星的名声以及公众缅怀的温情

将玛丽莲梦露和她的逝去变成商品。

在这个贪婪而痴迷名声的世界中，

当艺术品成为具有社会声望的品牌产品

且具有相当可观的经济效益，

那么艺术与商品的边界也就随之消失。

安迪·沃霍尔将自己变成一个品牌，

他说：“好生意是最好的艺术。”

Andy Warhol

Marilyn Diptych

Silkscreen ink and acrylic paint on 2 canvases

1962

美国艺术家罗伊·利希滕斯坦学过艺术也教过艺术，

但始终没能找到自己的艺术风格。

1961年他无意中看到了卡通漫画，

于是他找出漫画中的戏剧性场景，

用更大的规格把它再画一遍，

做一些结构上的调整，然后上色，

创作出放大数百倍的“漫画”。

1960年代，彩色漫画使用名为

“本戴制版法”（Ben Day Dots）的印刷术，

它与乔治·修拉的点彩画基于同样的原则：

将彩点施于白色表面，

并在点的周围留出空间，

人眼会自动将相邻的彩点混合。

由于不用在整张纸上印满油墨，

可以节省许多成本。

利希滕斯坦复制了这一方式，

将其用于自己的创作中，

并就此发展出了独特的个人风格，

下图利希滕斯坦创作的《嘭！》一出现便广受欢迎，

收藏家们争相购买他的艺术作品（超然的商品）。

Roy Lichtenstein

Whaam!

Acrylic paint and oil paint on canvas

1963

瑞典籍美国艺术家克拉斯·欧登伯格

使用更为极端的方式打破艺术与商业的界限。

1961年他在纽约开设了一间“商店”，

里面有帽子、香烟、内衣、衬衫、蛋糕等

各种可以从零售店里购买的商品。

它们都由铁丝、石膏、棉布和油漆制成，

不能吃，不能穿，不能用，

只能像雕塑一样供人观赏。

这些“无用的商品”悬挂在天花板上，

一件“衣服”卖价300多美元，

一个“蛋糕”卖价100多美元。

众多美术馆馆长、收藏家和艺术家前来参观，

并争相购买这些“便宜的艺术品”，

这也间接证明了欧登伯格的成功。

Claes Oldenburg

The Store

1961

Claes Oldenburg

Pastry Case, I

Painted plaster sculptures on ceramic plates, metal platter, and cups in glass-and-metal case

1961–62

上图那些看上去美味的食物其实是陶瓷做成的雕塑，

人们花费大量时间生产瞬间就被消费殆尽的商品，

艺术家在抨击消费主义的同时

却也放大了它所具有的吸引力。

当无止境的欲望披上消费主义的糖衣，

一切疯狂的行为不过是一场荒诞的幻觉，

而说到幻觉就不得不介绍当时同样著名的“欧普艺术”。

Julian Stanczak

Passing Contour

Painting

1962

欧普艺术（Op art）也称“视幻艺术”，

是Optical art（光学艺术）的缩写，

《时代》杂志在1964年提出“op art”一词。

欧普艺术既源于运动的视错觉，

也源于色彩关系的相互作用，

甚至与格式塔理论等心理学和生理学研究相关。

上图朱利安·施坦查克的《短暂的轮廓》

使用明亮的色彩和疏密有致的线条，

形成强烈的视觉颤动和亢奋效果。

Victor Vasarely

Zebra

Painting

1937

早在“op art”一词出现以前

就已经出现了许多类似风格的作品，

上图维克多·瓦萨里利的画作《斑马》便是其中之一。

两匹斑马在黑色的背景上缠绕重叠，

高对比度的黑白条纹让人产生运动的错觉，

使它们既融于背景中，又能从中跳脱。

虽然当时许多批评家驳斥欧普艺术，

认为这些不过是愚弄人眼的低级招数，

但欧普艺术却成功收获了公众的喜爱，

并在许多商业环境中受到青睐。

Josef Albers

Shrine from the series Graphic Tectonic

Lithograph

1942

Anni Albers

With verticals

Cotton and silk tapestry

c. 1946

德国包豪斯学院很早就开始进行视觉艺术的大胆尝试，

1933年在纳粹压迫下包豪斯被迫关闭，

许多讲师逃往美国。

约瑟夫·阿尔伯斯和他的妻子安妮也是其中一员，

他们在美国的黑山学院任教。

上图左是约瑟夫·阿尔伯斯的石版画作品，

重复交错的方形轮廓与部分加粗的线条，

赋予二维画面视觉上的景深和立体感。

上图右是安妮·阿尔伯斯创作的挂毯，

浅红色棉布上长短不一的深红色丝绸垂直线段，

如乐曲般富有韵律和节奏感。

1950年，约瑟夫·阿尔伯斯离开黑山学院，

前往耶鲁大学担任设计系主任，

朱利安·施坦查克也曾跟随他学习色彩理论和几何学。

Franco Grignani

The Woolmark Logo

1963

1963年The Woolmark Company发起一场设计竞赛，

要求参赛者为他们设计出全新的LOGO。

上图意大利艺术家Franco Grignani的设计图被选用，

简约的循环条纹象征着羊毛特有的柔韧质感。

该设计让艺术家声名鹊起的同时，

也让羊毛这一材质得到更多人的关注，

成为更加天然和现代的衣物纤维选择。

Bridget Riley

Movement in Squares

Tempera on hardboard

1961

与欧普艺术并驾齐驱的动态艺术（Kinetic art）

是一种依靠运动产生独特效果的艺术，

两种艺术风格之间虽有重叠，但是尚有区别。

艺术家用各种方式让原本静止的艺术变得可动，

将时间元素引入其中，

以此来探索运动的可能性和视觉的本质，

这也体现了20世纪科技的快速发展对于艺术的影响。

上图英国艺术家布里奇特·莱莉创作的《方格运动》

由十二行交替的黑白正方形组成，

它们的高度一致，宽度逐渐变小，

在视觉上形成了某种向下凹陷的挤压感，

从而在平面的静态画面上达到三维动感的效果。

Alexander Calder

Antennae with Red and Blue Dots 

Aluminium and steel wire

c.1953 

除了因视错觉而产生动态的图像，

动态艺术还包括作品自身会动的装置。

上图是美国艺术家亚历山大·卡尔德的“悬挂雕塑”

《带有红色和蓝色圆点的天线》，

其中线性的材质为钢丝，

块面的材质为喷漆铝板，

两者相互连接构成的微妙平衡

让该装置可以随着气流运动。

卡尔德曾学习机械工程专业，

他曾用木头和金属丝制作了一整套可动的装置：

太阳马戏团（Cirque Calder），

他的跨领域创作还包含首饰、舞台布景和服装等。

1930年代初期，他将金属丝锤打至扁平再绕成螺旋状，

以此为基础创作出具有强烈个人风格的首饰作品，

其中有许多被记录在《Calder Jewelry》一书中。

2016年位于伦敦的Louisa Guinness画廊

举办了卡尔德的首饰展“The Boldness of Calder”，

下图是部分参展作品的拍摄图片，

其中简约的设计和巧妙的构思仍旧历久弥新。

Alexander English shoots Calder jewelry for Louisa Guinness Gallery and Alexander Calder

Photo courtesy Alexander English, Louisa Guinness Gallery and Calder Foundation and Jewel courtesy of Louisa Guinness Gallery

除了随着气流运动的“悬挂雕塑”，

还有更为复杂的机械雕塑。

俄罗斯艺术家纳乌姆·加博是20世纪动力学艺术先驱，

下图是他创作的《动能构造》：

黑色木质底座上有一根不锈钢棒（下图左），

按下按钮后机器开始运转，

底座隐藏的电动机引起快速振荡，

形成视觉扭曲的透明三维形状（下图右），

艺术家将其命名为“驻波”（Standing Wave）。

Naum Gabo

Kinetic Construction (Standing Wave)

Metal, wood and electric motor

1919–20, replica 1985

随着时间的推移和科技的进步

动态艺术的形态也在不断改变，

从19世纪后期印象派追求的画布上人物的运动性，

到艺术家靠自身运动创作的“行动绘画”，

到视错觉产生的动态图像，

到“悬挂雕塑”和“机械雕塑”，

到“沉浸式、互动型装置”等等，

动态艺术的形态越来越多，

离我们的生活也越来越近。

Wordmark of Tiffany & Co. Designed exclusively for Tiffany & Co., the lettering is not part of any commercially available typeface.

Tiffany由Charles Lewis Tiffany和John B. Young

于1837年在美国康涅狄格州布鲁克林成立，

原本是一家出售文具和高档商品的商店。

1838年开始在曼哈顿下城百老汇259号

以“Tiffany, Young and Ellis”的名字经营，

1853年，Charles Tiffany接管公司

将公司名称改为Tiffany＆Company，

并确立珠宝首饰作为重要产品。

Tiffany & Company

Union Square

Storage area with porcelain

c. 1887

1867年，Tiffany成为巴黎世界博览会上

第一家获得银器卓越奖的美国公司。

1868年，Tiffany正式成立。

1878年，Tiffany在巴黎博览会

获得珠宝金质奖章和银器大奖。 

The Tiffany Yellow Diamond

A 128-carat stone cut in a modified cushion-shape featuring 90 facets instead of the 57 or 58 of a standard brilliant cut.

The stone, discovered in 1878

1879年，Tiffany购买了世界上最大的黄色钻石之一，

并将其命名为Tiffany Diamond（上图）。

1902年，Charles Lewis Tiffany逝世后，

他的儿子Louis Comfort Tiffany

成为公司的第一位正式设计总监。

A very Warhol Christmas … 

A Tiffany box of lithographed cards from 1960. 

Photograph: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./VEGAP, Málaga, 2018

第一个Tiffany邮购目录被称为“蓝皮书”，

于1845年在美国出版，

该目录直至21世纪仍在继续出版。

1956年，传奇设计师Jean Schlumberger加入Tiffany，

Andy Warhol与Tiffany合作制作上图的节日贺卡。

1998年，Tiffany＆Co.将绿松石品牌颜色注册为商标。

Tiffany Keys

图片来源于品牌官网

2009年，推出Tiffany Keys系列。

“象征美好生活，

表达独立、力量与乐观，

注重细节的制作，

释放新的可能性。”

Tiffany T

图片来源于品牌官网

Francesca Amfitheatrof设计的

Tiffany T系列于2014年首次亮相。

“受到字母T简洁线条的启发，

代表所有形式之间相互关联。

是具有强大力量的护身符，

也是独特风格的个性化表达。”

Tiffany HardWear

图片来源于品牌官网

2017年4月，Tiffany推出Tiffany HardWear系列。

该系列结合金属的工业形态与珍珠的自然有机，

大胆运用张力、比例和平衡的力量，

将不同的材质融入独特的设计中。

2017年7月，宝格丽资深人士Alessandro Bogliolo

接任首席执行官。

希望借此扭转销售下滑的局面，

吸引更多年轻客户。

Tiffany Paper Flowers®

图片来源于品牌官网

2018年5月，Tiffany推出Reed Krakoff设计的纸花系列。

该系列试图重新诠释传统首饰题材，

赋予花卉造型全新的想象力与生命力，

镶嵌明亮式切割钻石和彩色宝石，

小巧精致且富有动感。

2019年11月，LVMH宣布以162亿美元收购Tiffany＆Co.

该交易预计于2020年6月完成，但直至9月仍未完成，

Tiffany＆Co.对此提起诉讼。

2020年10月下旬，LVMH同意减价收购。

2021年1月7日，Tiffany发布公告称LVMH已完成收购，

交易价格由每股135美元调整至131.5美元/股，

交易总价降至158亿美元。

波普艺术营造消费的幻觉

欧普艺术营造视觉的幻觉

动态艺术营造运动的幻觉

Tiffany（LVMH）营造奢侈品的幻觉

随着人类的发展与科技的进步

更多幻觉在现实生活中涌现

等待更多人的关注和发现

下集预告：

观念艺术&激流派&贫穷艺术&行为艺术