艺术怪谈 | 艺术与首饰的故事 【第十集】

首饰作为艺术的分支与艺术有着千丝万缕的联系

想要更好的理解当代首饰

就不得不先了解当代艺术

而想要看懂当代艺术

就得先大概知道艺术的发展历程

所以艺术史看似与当代首饰毫无关联

但事实上它们密不可分

 

THE STORY OF ART

 

“艺术与首饰的故事”这一系列微信连续剧，

将引用《艺术的故事》作为艺术史的基础，

再加上笔者对于西方首饰史的整合，

希望给大家带来连贯清晰且生动有趣的介绍。

特别感谢《艺术的故事》的作者 E. H. Gombrich，

以及中文版的翻译者范景中和校对人杨成凯。

并且强烈推荐大家阅读此书!!!

 

10.  传 统 和 创 新

意大利和北方各国

 

勇于探索的精神支配着15世纪的艺术，

艺术不仅可以用来叙述宗教故事，

还可以用来反映现实生活的一个侧面。

15世纪的艺术界分成若干不同的“绘画学校”，

也就是去作坊里给画师当学徒。

孩子能在那里受到全面的训练，

包括跑腿、打杂和所有与绘画有关的技能。

在佛罗伦萨已经开始了伟大的艺术革命，

各种艺匠、学校和实验层出不穷，

其中建筑的发展尤其关键。

 

Leon Battista Alberti

Church of S. Andrea, Mantua

c. 1460

 

上图是佛罗伦萨建筑家阿尔贝蒂设计的教堂，

他将立面设计成罗马式的巨大凯旋门，

但这一设计并不能沿用至普通住宅，

因为传统住宅不可以用神庙的式样来建造。

于是他使用了一种独特的方式

为当时富有的佛罗伦萨商人鲁切莱

设计了下图城市街道上的三层建筑。

他没有建造柱子或半柱，

而是把古典形式用作装饰立面，

既体现了古典柱式又不改变建筑结构，

成功将哥特式设计“翻译”成古典形式。

 

Leon Battista Alberti

Palazzo Rucellai, Florence

c. 1460

 

当时的画家与雕塑家也和建筑家一样

需要使新方案适应旧传统，

在新与旧、传统形式与新发现之间进行调和，

这也是15世纪中期众多艺匠和艺术作品的特点。

佛罗伦萨附近城市Fiesole的画家安杰利科修士

也在试图运用新的方法表达宗教艺术的传统观念。

下图是他在佛罗伦萨圣马可修道院画的湿壁画，

主题是《圣母领报》。

在他的画中没有太多运动，

也没有什么立体身躯的真实感，

但由于某种谦抑使得他的画面更加动人，

他没有故意炫耀自己的技艺或是新的发现，

而是虔诚地画出他想要展示给世人的画面。

 

Fra Angelico

The Annunciation

c. 1440

 

还有一位名叫曼泰尼亚的画家，

他在一所帕多瓦教堂里画了一系列壁画

来图解圣詹姆斯的传奇故事。

可惜的是这座教堂在二战期间被炸毁，

大部分壁画也同教堂一起被战争摧毁。

下图是其中一幅描绘圣詹姆斯被押赴刑场的壁画，

曼泰尼亚不仅重视故事本身的内容含义，

还试图还原外界环境，使其更加真实可信。

画面中的服装和甲胄和古典时期的遗物几乎一样，

他以壮丽的罗马凯旋门作为背景，

用简朴雄浑的场面体现出罗马艺术的精神。

他用透视法创造出一个舞台，

使其中的人物好像立体实物一样在上面活动，

他的画面动人且具有雕塑感。

 

Andrea Mantegna

St James on the way to his execution

c. 1455

 

艺术家的手段和技巧虽然可以不断发展，

但艺术本身却很难像科学那样稳步前进。

对艺术而言，某一方面的任何发现，

都会在其它地方造成新的困难。

艺术家的新发现很可能会使他失去最珍贵的能力，

使他无法创造出和谐的统一。

 

有一位佛罗伦萨的艺术家试图解决这一问题，

他叫做波蒂切利（Sandro Botticelli）

他最著名的作品是古典神话《维纳斯的诞生》。

当时的人们十分信服古人的高超智慧和神话故事，

相信古典传说之中必定包含着深邃且神秘的真理，

他们认为维纳斯的出世是神秘的象征，

神对美的启示通过这一故事得以传到人间。

整个画面虽然充满象征意义但还算简单易懂：

维纳斯站在贝壳上从海中出现，

在飘落的玫瑰花中，

风神们飞翔着将贝壳推向岸边。

在维纳斯举步登陆的瞬间，

一位季节女神/水中仙女拿着斗篷迎接她。

 

虽然画面的立体感不那么强、

人物形象不那么准确，

但他的构图优雅，线条富有韵律，

人物体态轻柔、衣饰自然飘落。

他描绘的维纳斯是如此的美丽，

以至于我们忽略了她脖子长度的不合理、

双肩直削而下以及左臂的些许不自然。

波蒂切利为了达到轮廓优美的效果

改变了自然形象，

从而增强设计上的美丽与和谐，

使得画面更具感染力，

将维纳斯描绘成一个优美娇柔的人物，

一件从天国飘送到海边的礼物。

 

 

Sandro Botticelli

The birth of Venus

c. 1485

 

意大利艺术有各种各样的转折点，

每一个都可以说成一个新时代的开始，

在这两个世纪里艺术发生的巨大变化

虽易于察觉，但难以表述。

艺术家可以用同一种艺术形式表现不同的精神，

艺术不仅可以用来表现信仰和宗教，

还可以为现实生活增添美丽和愉悦的作用，

只是到了文艺复兴时期，

后者日益占据主导地位。

15世纪的北方艺术家和意大利艺术家相比，

目标并无太大差异，

但手段和方法却不尽相同。

这种不同在建筑上表现得最为明显。

 

文艺复兴时期的佛罗伦萨建筑使用古典作为母题，

逐渐终止了哥特式建筑风格，

但在意大利以外的欧洲其他地区

几乎一个世纪之后才开始改变。

15世纪，爱好复杂花饰和奇特装饰的风气

在欧洲北方建筑有了进一步的发展。

下图位于鲁昂的法院

是法兰西哥特风格最后阶段的实例，

也叫做“火焰式风格”（flamboyant style）。

设计者试图使用变化无穷的装饰来覆盖整个建筑，

也并不在乎它们在建筑结构上是否具有实际功能。

这些神话般的建筑体现了无限的财富和创造力，

但人们却觉得这似乎已经用尽了

哥特式建筑的最后潜力，

迟早要往反方向发展。

 

Courtyard of the Palace of Justice (formerly Treasury)

Rouen

1482

 

也许就算没有意大利的直接影响，

北方建筑也还是会发展出更单纯的新风格来，

我们从英国的建筑中便可以看出一些端倪，

在英国14世纪晚期到15世纪，

在哥特式风格的最后阶段出现了一种垂直式风格

（Perpendicular），

它的特点是装饰物的直线多于曲线。

下图剑桥国王学院的礼拜堂便是其中的典型，

虽然看上去更加简朴，甚至有些世俗，

但它的“扇形拱顶”（fan-vault）

在细节之处依然处理得奇特非凡。

 

King's College Chapel

Cambridge

begun in 1446

 

当文艺复兴在意大利获得全线胜利的时候，

15世纪的北方依然忠于哥特式传统。

透视的数学法则、

解剖的科学秘密、

罗马的古迹研究，

还没有扰乱他们平静的心灵，

他们还是像“中世纪艺术家”一样进行创作，

但他们难免会受到文艺复兴的影响。

 

法国艺术家让·富凯年轻时曾访问意大利，

他1447年在罗马给教皇画过像。

下图是一位供养人肖像，

大概是他回国后几年绘制的，

表现的是圣徒保护着正在跪着做祈祷的供养人，

受意大利文艺复兴时期艺术的影响

画面中的明暗色调让人物和空间更加真实，

对于物体的外观和质地的细致刻画

则依然沿袭了北方的传统。

 

Jean Fouquet

Estienne Chevalier, Treasurer of Charles VII of France, with St Stephen

c. 1450

 

下图是一个雕刻而成的祭坛，

是法伊特·施托斯为波兰的克拉科夫城制作的。

即时是从如此小的插图中

我们也能感受到作品的震撼效果。

其中的构图和人物塑造的细节令人叹为观止。

他也和其他的北方艺术家一样

试图将艺术需要满足的新要求

和古老的宗教传统相协调，

创造出充满真实性和表现力的艺术作品。

 

Veit Stoss

Altar of the church of Our Lady, Cracow

1477-89

 

15世纪中叶，在德国出现了印刷术，

这对艺术的发展产生了巨大的影响。

印刷图画比书籍要早几十年，

其原理就像现在的橡皮章一样，

挖去不要的部分，留下要印刷的图像。

这一工艺也被称作木刻（woodcut），

用木刻制成的册子被称为木版书（block-book）

通常为宗教所用，

可用作祈祷或礼拜以及布道。

下图便是早期木版书中的一页，

用来提醒信徒想到临终的时刻并且传授“善终术”

即“The art of dying well”，

使他们不再畏惧地狱的魔力。

 

 

The good man on his death-bed

c. 1470

 

之后古登堡改进了活字印刷术，

木版书便被淘汰了，

之后又出现了活字印刷与木版插图相结合的做法，

虽然图像印刷粗糙，

但它们轮廓简单、经济实惠，

仿佛招贴画般美丽。

但当时的艺术家们并不满足于此，

他们想要更好地展示细节的处理和动人的观察力，

于是出现了铜版画（engraving）。

先用推刀（burin）在铜版上进行雕刻，

再用油墨印出刻好的线条，

这对制作者工艺的要求更高，

但获得的效果也更加精致和巧妙。

 

马丁·舍恩高尔是15世纪著名的铜版画大师，

下图是他的作品《圣诞之夜》。

他用推刀代替画笔和颜料，

创作出如此美妙的画面。

他小心翼翼地在铜版上剔出每一个花朵、

每一块碎石、每一根皮毛、每一丝发须，

不遗余力地表现画面中的每一个细节，

只为了尽可能地还原真实。

画面的空间分布是如此的和谐、

构图是如此的平衡，

使我们不得不钦佩他的耐心和高超的技艺。

 

 

Martin Schongauer

The Holy Night

c. 1470-3

 

木刻和铜版艺术很快传遍整个欧洲，

版画也成为欧洲艺术家了解彼此的新方式。

在当时，采纳另一位艺术家的观念或构图

并不是一件不光彩的事情，

还有人将其他人的版画收集起来作为自己的画谱。

 

印刷术的出现加速了思想交流，

也为宗教改革运动创造了条件。

还让意大利文艺复兴时期的艺术

得以顺利地传遍欧洲大陆。

而北方的中世纪艺术也在版画的推动下走向终结。

 

 

 

Paintings during Renaissance

 

在文艺复兴时期，

艺术与首饰之间的关联相较其他时代更为接近。

画家和雕塑家常在首饰作坊当学徒，

在他们的艺术作品当中，

首饰占有非常重要的地位。

他们可以准确描绘出一件首饰的细节，

所以我们常常通过绘画艺术

来了解文艺复兴时期的首饰。

 

Filippo Lippi

Madonna with the Child and two Angels

Florence, Uffizi Gallery

c. 1450

 

上图是Filippo Lippi绘制的宗教题材的作品。

从画面的局部截图中我们可以看见

精致的衣饰以及圣母佩戴的头饰，

这也体现了当时女性的服饰特征，

她们通常使用丝带和珍珠进行点缀，

看起来格外的素雅且精致。

Piero della Francesca

Portrait of Battista Sforza

Florence, Uffizi Gallery

c. 1465

 

上图是一幅肖像画，

相较之前的圣母画像显得更加富有权贵，

衣饰也更加华丽。

她头饰中依然留有丝带，

只是用于固定的发簪更加复杂，

还多了一个别在丝带上的发夹。

画中的人带着珍珠制成的项圈，

其中还有黄金的金属部件和宝石镶嵌。

下方似乎还有一个红宝石吊坠，

落在深色的衣服上，

与充满图案的金色袖子形成反差。

以远方的风景作为背景显得更加高贵且有气势。

 

 

Sandro Botticelli

Spring

Florence, Uffizi Gallery

1478

 

上图是波蒂切利的著名蛋彩画《春》，

根据诗人波利齐安诺的诗进行创作，

象征着春回大地、万物复苏的场景，

画面线条流畅，富有节奏感。

 

下图的局部来自于画面左边的美惠三女神，

她们分别象征着欢愉、贞淑和华美。

最左边的女神头发松散，

胸前佩戴着别致的胸针，

衣服华丽且动人。

画中的胸针由黄金、珐琅和宝石制成，

既可以用作胸针也可以当成吊坠，

在画面中仿佛点睛之笔，

也使女神的形象更加真实可信。

Sandro Botticelli

Detail of Spring

Florence, Uffizi Gallery

1478

 

除了女性，男性也会佩戴首饰。

这些首饰既是装饰，

也是财富、权利以及社会地位的象征。

下图男性佩戴的吊坠

与上图女神的胸针有异曲同工之处，

通常由珍珠、宝石、珐琅和黄金制成，

常以胸针或吊坠这两种形式出现，

这也是当时的人最常佩戴的首饰类型。

画面的背景充满装饰的图案和鲜艳的色彩，

这也是典型的文艺复兴时期的装饰图案之一。

 

 

Domenico Ghirlandaio

Detail of Adoration of the Magi

Florence, Museo degli Innocenti

1488

 

文艺复兴时期的首饰与艺术一样

试图寻求创新与和谐，

可以为现实生活增添美丽和愉悦，

画中的首饰充分体现了当时人的审美和日常习惯。

以上这一切都在告诉我们：

中世纪已经终结，

新的时代即将来临。